Manuel Fernández

Los nuevos espacios expositivos virtuales amplían las posibilidades de comisarios y artistas para crear muestras sin las limitaciones habituales del circuito artístico físico. La Web se presenta como una gran plataforma donde la virtualidad nos permite crear nuevos espacios en los que llevar a cabo proyectos de comisariado, por supuesto las limitaciones no faltan, pero se diferencian de las que encontramos en la realidad física de los espacios expositivos convencionales. Las obras no se apreciarán de la misma forma y no todas tienen cabida, tampoco se disfrutan igual pero tanto artistas como comisarios encuentran en la red nuevas posibilidades para mostrar sus proyectos. Y como no, con los dispositivos móviles podemos acceder a estas nuevas galerías y museos cuando queramos y desde el lugar donde estemos en ese preciso instante.

La artista Chiara Passa ha sabido aprovechar esta circunstancia para crear The Widget Art Gallery, una “nano virtual gallery-room” creada para IPhone, iPod Touch e iPad donde se lleva a cabo mensualmente una exposición individual de arte digital. Se creó hace tan sólo unos meses y parece que, hasta el momento, los gif animados son los protagonistas de las instalaciones que han ocupado este espacio virtual expositivo creado específicamente para los dispositivos móviles de Apple.

Estas nuevas galerías virtuales irán evolucionando, posiblemente a la velocidad a la que esta tecnología nos está acostumbrando, para dar lugar a espacios mucho más flexibles, dinámicos y disfrutables donde poder exponer, difundir y aprender desde nustro propio terminal.

Personalmente me gusta mucho más darme una vuelta por una sala de exposiciones física donde ver, escuchar o leer las obras, donde resistir las ganas de acercarme más, hasta casi tocar la obra o donde interactuar de una forma más directa. Pero en las exposiciones virtuales, como usuarios, podremos entrar cuando queramos, compartirlas y acceder a la creación de una forma diferente y como creadores, podemos exponer y difundir nuestros propios proyectos. Nadie dice que haya que dejar de ver exposiciones o que no debamos seguir enviando propuestas a galerías o instituciones, podemos disfrutar de las ventajas de la virtualidad sin desmerecer lo real y viceversa.

El proyecto se llama nohaypan y esta vez el lugar es Barcelona, más concretamente la Plaza de Catalunya, el centro de la ciudad y el sitio, junto a Puerta del Sol, donde se originaron las acampadas del grupo 15M. El motivo, utilizar el espacio virtual y la tecnología para reivindicar el uso público de espacios  como plazas, calles y demás zonas públicas de las ciudades. Tienen algo que decir y lo han hecho a través de la utilización de la Realidad Aumentada (AR).

nohaypan - Space Vandals

Según Space Vandals, ahora que el Ayuntamiento ha puesto una pista de hielo en la plaza, posiblemente con la intención de evitar la ocupación por parte de la ciudadanía, su proyecto adquiere aún más sentido, ya que demuestra que es el espacio virtual el único en el que podemos expresarnos libremente, sin censura.

Lo que este grupo artivista ha hecho es recuperar algunas de las frases que ocuparon las plazas y calles durante las movilizaciones y las han puesto en boca de algunos políticos y demás personajes que representan el poder. Para interactuar con la instalación se necesita situarse en la plaza, tener un móvil con acceso a Internet, descargarse la app gratuita de Layar y buscar la capa nohaypan.

Inconformismo con una pizca de tecnología, otra de humor, acompañado con buen diseño y programación y aliñado con muchas ganas de no quedarse quietos.

nohaypan - Space Vandals

nohaypan - Space Vandals

Crear métodos visuales de producción de contenidos específicos para el móvil es una necesidad natural que debía surgir tras utilizar durante años contenidos que mayoritariamente eran creados para Internet y que se adaptaban a los usos y formatos móviles pero de los que no siempre se podía disfrutar de la misma manera que en la pantalla de un ordenador.

Dos de los proyectos que se llevaron a cabo y se promovieron desde el Mobile Art Lab fueron creados ambos en el 2010 y a partir de app para utilizar en iPhone:

iButterfly es una aplicación que utiliza la Realidad Aumentada (AR), el acelerómetro y las funciones de GPS del móvil y se trata de un juego social (social game) que consiste en capturar diferentes tipos de mariposas creadas con AR, las cuales van acompañadas de información y diferentes contenidos, además de proporcionar una especie de cupones descuento que se consiguen capturando todas estas mariposas virtuales que cubren el cielo de Japón. La captura, gracias al sensor de movimiento que llevan incorporados los teléfonos móviles, se realiza a través de un gesto físico, un movimiento de nuestro brazo que atrapa la mariposa con el móvil, que en este caso sustituye a nuestra mano. Imposible no pensar en las extensiones del cuerpo de las que hablaba McLuhan.

PhoneBook, otro de los proyectos creados desde este Lab, es un interesante híbrido compuesto por un libro (más exactamente un cuento infantil) y por una aplicación de contenido audiovisual. Como resultado de esta mezcla entre lo analógico y lo digital surge PhoneBook, creado para que los padres e hijos interactúen juntos con la aplicación y compartan el tiempo y el uso del móvil. Este último concepto me interesa especialmente ya que no es común encontrar aplicaciones creadas para que dos o más personas compartan una misma pantalla de móvil, lo cual tiene su lógica debido al reducido tamaño de éstas, pero que resulta muy apropiado en este caso al tratarse de una aplicación pensada para ser compartida por padres e hijos.

Portable Cellular Phone Booth de Nick Rodrigues

Varias veces hemos tratado este tema, por ejemplo cuando comentamos la obra Il Telefonino (2001) de Antoni Muntadas o la performance que Nick Rodrigues llevó a cabo con su Portable Cellular Phone Booth (2001). Ambas obras fueron muy tempranas si a Mobile Art nos referimos, de hecho, los cambios conceptuales entre lo público y lo privado fue un tema que despertaba mucho interés durante los primeros años de uso de los teléfonos móviles.

Realmente parece algo complicado buscar fórmulas eficaces para poder preservar nuestra intimidad cuando hablamos por la calle. La inmediatez y la movilidad, esas características tan propias de este medio, hacen que nuestro comportamiento, cuando hablamos por teléfono, varíe significativamente respecto al pasado.

Posiblemente la educación sea el único camino para llegar a un comportamiento menos egoísta y quizás un buen ejercicio, para reflexionar sobre ello y educarnos, sería ver algunos de los proyectos que abordan este tema. Diseñadores, artistas, ingenieros y desarrolladores, durante los últimos años, han creado objetos que ponen de relieve como sacrificamos nuestra intimidad al comunicarnos con el móvil en los espacios públicos y que además podrían ayudarnos, por lo menos, a reflexionar sobre ello. En muchos casos, el concepto es la excusa que les permite experimentar con nuevas formas de expresión y en la mayoría de ellos el humor juega un papel importante, de la misma forma que sucedía con la obra de Rodrigues.

James Auger Y Jimmy Loizeau han realizado este artilugio, inspirado en la estética cyborg, llamado The isophone (2003) que nos permite hablar tranquilamente y que nos aísla totalmente del entorno para evitar cualquier distracción, eso si, debemos estar en el agua.

Isophone. James Auger y Jimmy Loizeau

Simon Brewster en el año 2007 llevo a cabo diseñó esta “cabina colgante” llamada The Pentaphone Isolation cubierta de madera y reforzada con materiales aislantes al interior.

The Pentaphone Isolation. Robert Stadler

Unos estudiantes del Copenhagen Institute of Interaction Design han llevado  a cabo el pasado año todo un experimento en el que convierten antiguos secadores de pelo en cabinas de teléfono móvil.

Simon Brewster es el creador del Office Collar diseñado para poder aislarnos acústica, visual y espacialmente mientras hablamos por el móvil

The Office Collar Isolation

The Mobile Phone Scarf es la solución para poder escribir SMSs en lugares públicos, una creación que pertenece a una serie llamada Private Public y llevada a cabo en el Interaction Design del Royal College of Art de Londres. Esta serie principalmente pretende remarcar nuestro comportamiento al usar la tecnología y más específicamente cómo prescindimos de nuestra privacidad a cambio de la comunicación.

Mobile Phone Scarf

Creatividad, ingenio, humor, reflexión, comodidad, estética, experimentación…. se puede pedir más?

Reflexiones importantes que viene bien hacerse en estos tiempos en los que el desarrollo tecnológico es tan descabelladamente rápido, pero que precisamente por la velocidad a la que sucede, apenas nos da tiempo a pararnos a pensar. Así pues, mi más profundo agradecimiento a artistas como Claudio, que desarrollan trabajos que me sitúan en la realidad tecnológica actual y me llevan a la reflexión y al aprendizaje de forma fácil y lúdica.

Campo Minado (2009/2010) (quizás se traduzca del portugués como Buscaminas) es un juego de ciudad o urban game que se desarrolla en las calles a través de una interfaz móvil geolocalizada. Guiado por un mapa, el jugador debe caminar por una zona determinada (de un punto A a un punto B) en un tiempo máximo de cinco minutos, en el que deberá tomar decisiones sobre la dirección que debe tomar para no pasar por las minas. Campo Minado no pretende indicarnos el camino correcto, más bien nos sugiere una serie de posibles errores e incertidumbres que pueden aparecer al explorar y experimentar el territorio del recorrido. En esta performance participativa, como en la vida misma, te pueden suceder muchas cosas imprevistas hasta que llegas al punto donde te diriges.

Campo Minado. Claudio Bueno

Campo Minado. Claudio Bueno

Campo Minado. Claudio Bueno

Redes Vestiveis (2010) performance colectiva que se basa en la idea de una red virtual elástica geolocalizada que se representa físicamente en la pantalla del móvil del participante. Dos personas, como mínimo, al conectarse a la red se convierten en los nodos de la trama, la cual se tensa por medio del movimiento y desplazamiento físico. El cuerpo se mueven dentro de una red virtual impulsada por los movimientos del resto de participantes, si éste no se mueve, la red se rompe desconectando al sujeto. Redes Vestives (Wearable Nets) nos sugiere nuevas experiencias para el cuerpo espacialmente localizado o geolocalizado que actúa en contra de lo que no ve, pero que como explica el propio artista, sin embargo, es capaz de sentir en algún lugar entre lo corpóreo y lo incorpóreo.

Redes Vestíveis ha sido premiado y exhibido en el Festival Arte.mov y ha recibido mención honorífica en Prix Ars Electronica 2011.

Me gustaría destacar la capacidad de este artista para acercarnos temas complejos de una forma sencilla, dinámica y divertida y  el trabajo de documentación (y su publicación) que realiza con todos sus proyectos, lo que nos facilita mucha la vida a los historiadores de arte.

Redes Vestíveis. Claudio Bueno

Redes Vestíveis. Claudio Bueno

Mobile World Capital

El motivo de este nombramiento es que la ciudad condal será la sede del GSMA Mobile World Congress. Así que Barcelona seguirá siendo el epicentro de la comunicación móvil ya que lleva varias ediciones acogiendo este gran evento. Pero la capitalidad implica que además del Mobile World Congress, en Barcelona se encontrará el Centro Mundial de Móviles y el Festival Mundial de Móviles. Estos dos nuevos elementos implicarán, por lo visto, la realización de actividades, eventos, proyectos e iniciativas durante todo el año y que no estarán únicamente orientadas al mundo empresarial, sino que se llevarán a cabo exposiciones y eventos relacionados con el arte, la música, el deporte y la Cultura en general.

Y es este punto por el que desde Blog Mobile Art nos alegramos mucho, y sobretodo teniendo en cuenta que nuestra posición física en la Tierra, por el momento, es precisamente Barcelona. No siempre es fácil estar en el lugar indicado….

En algunos artículos de prensa se ha hablado incluso de la creación de un museo del móvil, veremos como se desarrollan todas estas promesas y por supuesto daremos buena cuenta aquí. Quedan 7 largos años por delante y no me quiero ni imaginar (es un decir, daría lo que fuera po saberlo…) cómo habrá cambiado el mundo de la comunicación móvil cuando lleguemos al congreso del año 2018…

La sencillez técnica, la  portabilidad, las apps y recursos técnicos y los resultados que ofrece son algunos de los motivos por los que muchos fotógrafos profesionales utilizan esta herramienta para crear sus fotografías. Lo paradójico es que, de alguna manera, volvían a sentirse algo amateurs y a recuperar el trabajo de calle al declararse iPhonógrafos, pero lo han hecho tan bien que la iPhonografía se está profesionalizando …

Es una herramienta con muchas posibilidades, eso nos va quedando claro, pero no hace milagros, el que vale, vale…

Algunos de los  primeros de los que tuve noticia fueron David de Haro y Pere Cortacans y con los trabajos de los dos conté para la exposición Mobile Art. Experiencias Móviles. Después he ido descubriendo otros proyectos interesantes que han surgido en relación a la creación fotográfica con iPhone como el de Jordi V.  Pou quién comisarió en La Panera de Lleida la exposición iPhoneografía el pasado año, donde 6 fotógrafos, incluido él mismo, subían a Flickr una foto al día, la cual se mostraba en el centro de documentación. Formaron parte de este proyecto, además del comisario Jordi V. Pou,  Alexander Kesselaar, el suizo Dominique Jost, Koichi Mitsui, Sion Fullana,  un catalán afincado en Nueva York que fue uno de los pioneros, y la fotógrafa Valerie Ardini.

Alexander Kesselaar

Dominique Jost

Jordi V. Pou

Sion Fullana

koichi Mitsui

Valerie Ardini

La publicación de estas fotografías, perdón… iPhongrafías, generalmente se hace en la red a través de redes sociales entre las que destaca Flickr, donde todos ellos muestran día a día los retratos que realizan de sus ciudades, de su entorno o de todo lo que les rodea. Ahora muchos también usan apps como Instagram y otras muchas que seguirán surgiendo…. Como por ejemplo la que ha creado el grupo EyeEm, un colectivo con base en Berlín que empezó creando concursos y exposiciones de fotografía realizadas con móvil y han construido toda una comunidad de fotógrafos. Además recientemente han creado una aplicación para compartir las fotos (disponible también para Android).

Una tipo de creación individual y colectivo que destaca por su capacidad de socialización digital y una herramienta que rompe con los paradigmas tradicionales del ámbito de la fotografía y que  contribuye en gran medida a que se vincule el móvil a la creación contemporánea, con el riesgo de que se tienda a pensar solamente en su capacidad como herramienta de creación y registro audiovisual. Pero para eso estamos en Blog Mobile Art…. para dar cuenta de otros muchos proyectos, obras y  eventos en los que el teléfono móvil es utilizado por parte de los creadores actuales  como plataforma interactiva, como concepto sobre el que reflexionar o como herramienta social o artivista.

Diane Pernet, una creadora inquieta, enigmática y polivalente que ha destacado en el ámbito de la fotografía,  la moda y el diseño, es la creadora y directora de ASVOFF, además de una conocida blogger.

Diane Pernet ASVOFF

Los trabajos que se presenten a la convocatoria Mobile Fashion Film Competition deben estar rodados con teléfonos móviles, deben tener una duración máxima de 1 minuto, no pueden ser editados  y han de enviarse a mobilefashion@asvoff.es hasta el 1 de diciembre. Entre todos los cortos recibidos se hará una selección de los 50 mejores (a cargo de una servidora), los cuales serán proyectados durante los días del festival y de los cuales saldrán los ganadores, a los que se podrá votar a través de la Web del Festival.

Cine, moda y móvil, una conjugación novedosa y llena de posibilidades creativas que llega a Barcelona en forma de festival y de la que os seguiremos informando.

Algunas de las actividades programadas por el festival se realizaron en la Alhóndiga, antiguo almacén de vino que en la actualidad acoge un Centro Cultural, y también parte del happening tecnológico creado por este colectivo de creación e investigación, pero se pudo disfrutar también de esta exposición virtual en el exterior del museo Guggenheim Bilbao, en San Mamés y en la plaza del Teatro Arriaga.

Space Vandals creó una capa de Layar llamada Taking Over Bilbao que permitía fusionar la información virtual con los espacios físicos de la ciudad. El funcionamiento era sencillo y estaba explicado a través de carteles que se colocaron en los lugares por los que se extendía la actividad y en los que se encontraban las instrucciones necesarias para poder disfrutar de las experiencias que el colectivo proponía.

Space Vandals/ B Awards Bilbao

Las experiencias propuestas eran cuatro:

Desing needs you: “La NASA estima que en nuestra galaxia puede haber hasta 20 millones de planetas Tierra”.

Space Vandals

Football Religion: “El fútbol es la nueva religion de las masas y San Mamés su catedral”.

Space Vandals

Space Vandals: “La expresión de la calle llega al museo. Somos vándalos del espacio”.

Space Vandals

The B side: “Logo B Awards donde se ubicará un módulo de la exposición del festival”.

Space Vandals

Las obras se podían visionar utilizando la cámara de nuestro móvil 3G que podía ser Android, iPhone o Symbian y en los que previamente había que descargarse la app gratuita de Layar y después seleccionar la capa diseñada por Space Vandals llamada Talking Over Bilbao.

Durante los últimos años se han llevado a cabo diferentes acciones artísticas vinculadas ala Realidad Aumentada y en este espacio hemos dado cuenta de algunas de ellas, y es que son aún muchas las preguntas que rondan en estos creadores cuando nos plantean experiencias como la que hoy hemos comentado. El avance imparable y extremadamente rápido en el desarrollo tecnológico, y más concretamente en la tecnología de comunicación inalámbrica, a menudo no nos permite pararnos a reflexionar sobre como influye en nuestra vida y este tipo de proyectos nos permite un acercamiento abierto a esta tecnología y no sólo nos invitan a su disfrute sino que se convierten en preguntas y temas sobre los que podemos reflexionar. Los Space Vandals, a través de este happening virtual, nos trasladan cuestiones tales como, ¿de qué manera este tipo de tecnologías podrían ayudarnos a mejorar nuestra vida en la urbe? o ¿cómo responderá el espacio urbano a estas transformaciones?

El espacio virtual es de todos, por ahora…… disfrutemoslo!

Este nuevo medio se ha convertido en un objeto cultural de pleno derecho y posee unas características que facilitan el acceso a la experimentación artística digital, pero además es un medio que está introduciéndose tan rápito en nuestra vida que apenas nos paramos a pensar sus efectos, pero a través de muchas de las obras podemos llegar a ideas y reflexiones en torno tanto a los profundos cambios que está produciendo en nuestra manera de comunicarnos, como a las nuevas posibilidades que nos ofrece.

Trece artistas nos enseñan sus trabajos, y a través de ellos,  diferentes formas de utilizar este nuevo medio con características que han sido muy bien aprovechadas por estos y otros muchos creadores que buscan nuevos caminos y para los que la experimentación es el motor de sus creaciones.  Desde aquí nuestro más sincero agradecimiento por habernos acompañado, ayudado y animado en esta aventura.

Un poquito de información sobre ellos, sus obras y lo que se puede ver en la exposición:

Antoni Abad (Lleida, 1956) Licenciado en Historia del Arte, comenzó en el mundo de la creación en el terreno de la pintura pero la búsqueda de la ocupación del espacio le llevará a la experimentación escultórica con nuevos materiales. A principios de los 90 comienza a trabajar con vídeo, respondiendo a una necesidad de expresión secuencial y llevando a cabo vídeointalaciones muy ligadas al espacio. El uso de Internet será una evolución lógica en su trabajo que le llevará a convertirse en uno de los mayores exponentes del net.art en España. A partir del 2003 comienza con el proyecto zexe.net, actualmente llamado megafone.net  con el que logra en 2006 reconocimientos como el Golden Nica Digital Communities de Ars Electronica y el Premio Nacional de Artes Visuales de la Generalitat de Cataluña.

Obra: Megafone.net, 2004-2011

megafone.net 2004-2011

Abad nos presenta megafone.net, un dispositivo comunitario de publicación móvil en Internet en el que grupos de personas en riesgo de exclusión social y mediática expresan sus experiencias y opiniones a través del registro, mediante teléfonos móviles, de sonidos e imágenes que son automáticamente publicados en la Web del proyecto. El teléfono móvil se convierte en un megáfono digital que amplifica la voz de los grupos emisores que participan en el proyecto desde el año 2004 hasta la actualidad.

Béatrice Valentine Amrhein (Wassy, Francia, 1969) vive y trabaja entre París y Nueva York. Con una sólida formación en pintura, su preocupación experimental le lleva a buscar nuevos caminos de expresión a través de muy diferentes formatos como la pintura, la fotografía, la videocreación o las instalaciones. En sus obras, las formas, los colores y los fragmentos del cuerpo se mezclan creando poéticos y atemporales diálogos. Ha llevado a cabo diferentes trabajos en los que utiliza la tecnología móvil como herramienta, soporte y concepto que nos ayuda a reflexionar sobre los cambios comunicacionales causados por los avances tecnológicos.

Obra: TRAIN FANTOME: The time when something happens, 2011

TRAIN FANTOME: The time when something happens, 2011

Amrhein utiliza el móvil como una herramienta creativa, como una extensión del cuerpo que le permite dibujar y expresarse. Esta instalación creada específicamente para la exposición nos muestra un mismo vídeo, una misma historia reproducida de forma no simultánea, lo que nos permite una percepción diferente de la obra. De esta forma la artista aborda un tema que le interesa especialmente: cómo las nuevas tecnologías, que facilitan las comunicaciones humanas, a su vez también distorsionan nuestra percepción de la distancia y del espacio.

María Cañas (Sevilla, 1972) aka “La Archivera de Sevilla”, caníbal audiovisual, cibergarrula, peliculera, salvaje mediática, zensualista…Dirige Animalario TV Producciones, una plataforma de experimentación artística centrada en el reciclaje, el apropiacionismo y el crecimiento personal. Sus trabajos han sido exhibidos en numerosos festivales, galerías y eventos internacionales. Entre otros premios ha recibido en el 2007 el Prix Ibn Batuta FIAV.07-Esca del Centro Pablo Neruda de Nimes (Francia), el Premio a proyecto audiovisual Injuve 01 (Madrid) y el Premio Eurovídeo 01 (Málaga). Una frase de Bukowski que saldría de sus labios: “Cuando todo se iba al carajo, siempre estaba la poesía para salvarme el culo”.

Obra: Por un puñado de Yuanes, 2008

Por un puñado de Yuanes 2008

Por un puñado de Yuanes es un periplo al corazón de Shanghai para descubrir los misterios de la venta ambulante clandestina de películas eróticas chinas; una crítica a la represión sexual de la población y a la prostitución infantil. Trata sobre la hipocresía, la obsesión consumista del turista occidental y su pasión por el give me two. Es una confrontación entre dos formas radicalmente diferentes de entender la vida y el erotismo por medio de un surrealista toma y daca monetario. Un delirante y surrealista viaje de una occidental grillada (¡¡¡sí, amigos, servidora!!!) abriéndose paso a través de la muralla de rostros chinos para encontrar El Santo Grial del erotismo chino, dvd´s mediante… La consigna es “Give me dividiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii!”.

Javier Castañeda (Madrid, 1967) De espíritu viajero e incansable observador de núcleos urbanos, Javier Castañeda cambió el mundo de la abogacía por el periodismo y durante los últimos 15 años ha trabajado en proyectos de Internet para medios como Telemadrid, Grupo Correo o Baquía.com. Ahora dirige el área de Tecnología y Cibercultura de Casa Asia, y es blogger en El País y en La Vanguardia.

Obra: Micrografías, 2004-2011

Micrografías 2004-2011

Micrografías muestra el recorrido de Javier Castañeda por las principales urbes del mundo desde el año 2003 hasta la actualidad. Un tránsito a vista de móvil de Nueva York a Tokio, pasando por Londres, París, Seúl o Shangai del que el autor nos presenta una selección de micropostales neonómadas que, a modo de pinceladas, reconstruyen la caleidoscópica imagen de una sociedad desestructurada.

Álvaro Collar (Madrid, 1981). Licenciado en Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid y diplomado en Cinematografía por la Escuela de Cine de Brighton. Es miembro fundador del colectivo de videoarte Haz! y ha desarrollado residencias artísticas tanto en España como en el extranjero. En la actualidad estudia el doctorado en Teoría, Análisis y Documentación Cinematográfica en la Universidad Complutense de Madrid y trabaja como profesor de videoarte y cinematografía para instituciones como ECAM, Phoenix Brighton o Blank Studios. Sus trabajos se han expuesto en diferentes centros y festivales como Medialab Madrid, WMM Cup de Corea del Sur, Mobilefest de Sao Paulo, Microfilms Lisboa y el espacio NIU de Barcelona entre otros.

Obras:

Mirage, 2009
Pranayama, 2010
9th Room, (con la actriz japonesa Yurika Kodama) 2011
The Myriad Souls of Light, 2011

Pranayama (2010)

Una de las constantes de la obra de Álvaro Collar es su interés por tratar de reconciliar el lenguaje cinematográfico con la libertad de experimentación propia del videoarte. Parte de esa búsqueda experimental se ha dirigido hacia la práctica con todo tipo de cámaras para la producción de sus piezas, incluyendo las de los teléfonos móviles.  En sus propias palabras, “si la idea es suficientemente buena, y si la calidad y propiedades del video son usadas con cuidado, el vídeo puede funcionar como videocreación”.

Pere Cortacans (Barcelona, 1967) estudió arquitectura en E.T.S.A. Barcelona (1985-1992), Diseño industrial en Domus Academy Milan y fotografía en IDEP (2003). Sus obras de arquitectura e interiorismo han aparecido en publicaciones nacionales e internacionales. Ganó el Primer Premio del concurso de Fotografía digital para arquitectos organizado por el Colegio de Arquitectos de Catalunya. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas de fotografía, como Work In Progress en la Galería Tagomago de Barcelona. Sus fotos han sido publicadas en revistas como Time-out, Trendsetter o Maviology. Enseña técnicas de fotografía digital para arquitectos en la diplomatura DALF de la Universidad Pompeu Fabra y en varios cursos de Postgrado de la Escola Sert.

Obras:
365 Days of phone.tography. 2009-2010
DeChromaMe. 2011

365 Days of phone.tography. 2009-2010

365 Days of Phone.tography: [sustantivo-transitivo, plural, inglés]: dícese del hecho de grafiar la vida cotidiana día a día, con la única ayuda de la cámara fotográfica de un teléfono móvil.
DeChromaMe, cortometraje experimental que conduce al observador, con la ayuda de un ejercicio estilístico basado en una serie de derivaciones cromáticas, a analizar la relación entre el sujeto y el estado de ánimo del espacio que lo rodea. Un espacio caracterizado por un estado de ánimo diáfano pierde sus propiedades iniciales para convertirse en focalizado, inquietante, obscuro, latente, brillante, cálido, penetrante, transitorio, deambulante, sórdido, en expansión…y vuelta a empezar.

Anaisa Franco (Brasil, 1981) (VI Premio ARCO Madrid/BEEP de Arte Electrónico 2011), es licenciada en artes visuales por la Fundaçao Armando Álvares Penteado de Sao Paulo y Máster en Digital Art and Technology por la Universidad de Plymouth, UK. Durante el año 2010 realizó residencias en el Centro de Producción de Barcelona Hangar y en el Centro Taipei Artist Village en Taiwan. Sus esculturas robóticas vinculan y conectan la tecnología y lo digital con características propiamente humanas como la imaginación o la memoria logrando así suscitar inesperadas experiencias en el visitante. Sus creaciones han sido expuestas en numerosos centros de arte, museos, galerías y festivales de Europa, Asia y América.

Obra:

Connected Memories, 2008

Connected Memories 2008

Instalación que gira en torno a temas como la memoria, los recuerdos, los sentimientos y la comunicación. La parte audiovisual de la obra se alimenta de una base de datos construida en parte gracias a las aportaciones vía Bluetooth de aquellas personas que, en una primera fase de exhibición, quisieron interactuar con ella. La inserción de estas imágenes en el conjunto de esta instalación, de fuerte presencia y carga simbólica, abre innumerables puertas al diálogo entre la obra, el espectador y el espacio que los acoge.

Andrés Duque (Caracas, 1972). Estudió periodismo en la Universidad Central de Venezuela. En 1994 se incorpora a la división latinoamericana de la cadena de televisión HBO como guionista y realizador de reportajes sobre cine. En el año 2000 se muda a Barcelona donde cursa un Máster en Teoría y Práctica del Documental Creativo en la Universidad Autónoma de Barcelona. Actualmente trabaja como realizador, programador de cine y docente.

Obras:
Life Between Worlds not in Fixed Reality, 2008
El Centro del Universo, 2008

El Centro del Universo (2008)

En Life Between Worlds not in Fixed Reality y El Centro del Universo Andrés Duque aprovecha la agilidad del móvil para iniciar recorridos que, partiendo de un momento de la realidad, van cargándose de sugerencias, conexiones y posibles lecturas hasta acabar conformando una verdadera invitación a renovar nuestra mirada sobre el mundo.
Ambos trabajos formaron parte del proyecto “La mano que mira” iniciado por el Festival de cine documental de Navarra, Punto de Vista.

David de Haro (Barakaldo, 1972) Profesional de la fotografía en prensa y en otros ámbitos, emprende el proyecto iPhonegrafías en el 2010 como una manera de recuperar la pasión por la práctica fotográfica. Una selección de su trabajo ha sido expuesta este mismo año en la sala Black Box de Bilbao.

Obra: iPhonegrafías, 2010

iPhonegrafías 2010-2011

David de Haro utiliza el móvil como una herramienta que le posibilita profundizar en la espontaneidad y la libertad de acción como bases de su trabajo fotográfico. En este sentido el móvil, no sólo le permite una captura disimulada y casi inmediata del momento, sino también almacenar, editar y publicar con una facilidad y velocidad antes impensable. Todo lo necesario para poder centrarse en capturar los instantes de poesía que le ofrece la realidad con la que se topa en la cotidianidad del día a día.

Olga Kisseleva (San Petesburgo, 1965) pertenece a la primera generación de artistas rusas surgida después de la Perestroika de la que es una de las representantes más destacadas e internacionales. Durante la década de los años 90 y gracias a la Fundación Fulbright viajó a Estados Unidos para realizar su trabajo de investigación vinculado al desarrollo de las tecnologías digitales. Actualmente reside en París, donde ejerce su actividad artística y docente. Ha expuesto en los museos y ferias de arte contemporáneo más destacadas del panorama del arte actual.

Obra: CrossWorlds, 2011

CrossWorld - Evidence 2011

CrossWorlds refleja el interés de la artista por lo que políticamente esconde la codificación de mensajes y cómo son muchos los caminos de la propaganda gubernamental. Kisseleva se sirve de la tecnología móvil y de los códigos QR para proponernos la traducción en tiempo real y a forma textual de la información subliminal que se esconde tras las imágenes.

Bruno Peláez (Ciudad de México, 1980) define como realizador audiovisual, etiqueta bajo la que agrupa una amplia y heterogénea actividad creativa que incluye piezas de videoarte, animación, interactivos o cortometrajes. Actualmente alterna su tiempo entre proyectos comerciales y artísticos.

Obra: Catrina’s Afternoon, 2011

Catrina`s Afternoon 2011

Catrina’s Afternoon, obra realizada para el concurso N8 Producers de Nokia, ilustra perfectamente las actuales posibilidades técnicas de la producción audiovisual con móviles. En ella “La Catrina”, figura creada por José Guadalupe Posada y que se ha convertido en un personaje importante del folclore mejicano, nos acompaña en un recorrido que plasma una mirada crítica y personal hacia la ciudad de Barcelona.

Kenneth Russo (Llambilles, Girona, 1976) Licenciado en Bellas artes por la Universidad de Barcelona, Kenneth Russo es un artista visual interesado en la comunicación, el juego y las nuevas tecnologías en su vertiente más social. Su trabajo, que se despliega en diversos formatos como el vídeo, las instalaciones, las aplicaciones informáticas o el dibujo, nace de la participación con otros creadores y de las interrelaciones locales.

Obra: ADD ME, 2011

add me 2011

ADD ME es un video que, a través de una filmación cotidiana realizada con un móvil, reflexiona en tono poético sobre la libertad que experimenta el usuario en la red. Concretamente ante el fenómeno de las redes sociales. En un espacio social global, ¿hay lugar para aquellos no-usuarios de las redes sociales? ¿Hay forma de escapar de las inercias colectivas? ¿Estamos condenados a asociarnos? ¿Es la red un espacio en donde volar sin compañía? La etiqueta del 2.0, ¿hace referencia a la calidad o a la cantidad? ¿Qué se esconde tras esta voluntad de querer agregarse al grupo? Add me, agrégame, hazme de tu grupo… ¿Quién va detrás de quién?

Txalo Toloza-Fernández (Antofagasta, Chile, 1975)  se forma como creador audiovisual en Santiago de Chile y Barcelona, en donde reside y trabaja desde 1997. En el 2005 crea el estudio audiovisual MiPrimerDrop. Videoartista, performer y vj, ha especializado su trabajo en la creación audiovisual dirigida a las artes escénicas y a los lives. Entre otros festivales, sus piezas han sido proyectadas en ARCO, “Panorama” de Olot, los festivales Grec, Loop y Sonar de Barcelona, “Il Coreografo Electronico” de Nápoles, “Wiener Festwochen” de Viena, “KunstenFestivalDesarts” de Bruselas y “Crossing Festival” de Beijing.

Obras:
Siguiendo a un Desconocido por la Calle, 2010.
Conoces la Banda Sonora de tu Generación, 2010.
Trópico 1, 2011

Txalo Toloza-Fernández crea piezas audiovisuales de marcado carácter experimental en las que aprovecha características propias de la tecnología móvil, como la portabilidad o la inmediatez, de forma totalmente espontánea y natural. Sus videocreaciones nos muestran historias que, a través del sentido del humor y de las vivencias personales, nos atrapan a la vez que nos hacen cómplices de sus acciones.

Además de estas obras y artistas en Mobile Art. Experiencias móviles podemos ver vídeos que registran proyectos interactivos y/o performáticos que se han llevado a cabo y que nos interesaba mostrar como ejemplo de otros usos de este medio por parte de los artistas. Esta selección está compuesta por las siguientes obras:

SMSlingshot 2008 del colectivo VR/URBAN

Gravity 2010 de Julien Gachadoat

The Urban Speaker 2010 de Carlos J. Gómez de Llanera

Mobile Crash 2009 de Lucas Bambozzi

Light Frequency Fingertips 2009 de Robert Mathy

Cell Phone Booth 2002 de Nick Rodrigues

Algunas fotos de la exposición:

Connected Memories 2008

365 Days of phone.tography 2009-2010

viendo y escuchando

experiencias móviles